中国传统文人画的艺术特征(如何看待中国传统文人画艺术？)

网友提问：

如何看待中国传统文人画艺术？

优质回答：

先谈艺术，艺术可以联想到美，但美又是什么？触及到了人类的终极问题之一，苏格拉底2500年前提出过这个问题，什么是美？至今没有人能回答，我能在知乎这里回答这个问题？显然也不能。但我可以圈定一个范围，如果美是人类所有活动的追求，那么艺术就是更现实化的美，可操作、直观、可得的美。更直接一点来说，人类活动以美为目标的话，艺术就是人类活动目标的精简提炼。

人文，辞海解释：人文就是文化。狭义来讲，人文就是哲学，特别是指美学部分。美与美学的概念又不一样，美是至今人类不可触及无法定义的，或许有人说他能解释得了美，那他就去解释，我这里暂时不关心他。虽然人无法接触美得本质，但是人类可以在美的外围构建一种学问叫美学，研究美，研究审美，研究审美关系，研究美的发展变化过程。那么这就是美学，这就是哲学，这就是人文。因为人文相对于日常活动，离美更近，所以它是先进、优秀和健康的。

艺术和人文的关系，艺术追求艺术本身就是美代表美。人文则追求给人类活动向美的发展提供指引，也就是说人文在人类和美之间，人文更靠近人类一些，艺术更靠近美一些。

艺术离美更近，但艺术永远不可能成为美本身，尽管这是艺术追求的目标，艺术只是把自己装扮成美本身，不同时代的艺术可能会推翻打碎前人的艺术，取决于人文如何定义审美、审美关系。

人文永远向美的目标进步发展，或许永远无法到达美，但是人文在这个无限接近的过程中，给人点亮了明灯指引了方向，艺术在成为美的代言人的情况下，可以影响人文如何定义审美。

如果人类弄明白什么是美了，那么艺术就没有存在必要了，人文还是必要的，因为人类需要用人文寻找美的方向。更浅显的比喻，在剧场里，观众是人类，台上的演员是艺术，而剧本是人文。如果观众能通过剧本领略了美，那么就不需要演员的帮助了。

艺术和人文，相辅相成，不断影响人类向美的目标前进。

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文人画最早出现在唐代，这个时期是中国历史上最具独创性的时期，无论绘画、诗歌、还是散文创作，都是最具代表的，“南宗”也因此应运而生。正是南宗的问世，被世称为“士夫画”的文人绘画兴起，因为它最具中国特色。到宋代苏东坡、米芾及其儿子米友仁等学者的影响，这种绘画变得更为简朴，主观性更强烈，“士夫画”亦被称为“文人画”。

然而，这种绘画是文人学士为娱乐消遣所作，对被动的写实手法的反抗，在酒兴背后有一个绝妙的画理，被称作“墨戏”，就是这种“戏作”使他们能够用一种十分轻松愉悦的精神去作画。元代吴镇有言：“墨戏之作，盖士大夫词瀚之余，适一时之兴趣。”苏东坡曾经画过一支没有节的竹子，有人问他何意如此，他答道：“竹生时何尝逐节生。”苏东坡喜爱竹，尤工于画竹，他曾讲“宁可食无鱼，不可居无竹”。他画的竹子，很象他的醉书狂草，泼墨如云，不着色彩。

士夫画是文人画的一种，演变到今天已是一个名词，已然成为一个画种，而文人画不单指士夫画。当今我们把文人画与士夫画混淆。“文人画”正式提出是明代董其昌，他所指文人画是王维、李成、黄公望等。文人学士们作为娱乐消遣，在他们的书法绘画已经很有造诣同时，同样的文房，同样的笔墨纸砚，同样的清水，他们还有更多的精力去“适一时之兴趣”。正如元代大画家倪瓒所说“余之竹，聊以写胸中逸气耳，岂复较其似与非，叶之繁与疏，枝之斜与直哉？”他还说过：“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳。”

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中国传统文人画作为一个绘画门类、一种表现方法，是民族绘画遗产中珍贵的一部分，它所包含的美学内容具有永久的艺术魅力，腕下题材多为托物言志，立象尽意的山、水、木石、梅、兰、竹、菊、松、荷、花鸟、渔隐之类的自然景物，成为君子的化身。

文人画有个艺术特点就是崇尚“逸品”，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，重视文学、书法修养和画中意境的缔造。陈衡恪对文人画的界定说:“画中带有文人之性质，含有文人之趣味，不在画中考究艺术上之功夫，必须于画外看出许多文人之感想，此之所谓‘文人画。”他同时还提出文人画之四要素:“第一人品，第二学问，第三才情，第四思想，具此四者，乃能完善。”由此可以看出文人画有它特殊的审美标准，不仅要在画之范围内用功，还须在画之外提高主体精神的文化品味。文人画以诗为魂，王维的绘画艺术“画中有诗”，最早确立了诗化的文人画美学原则。

文人画对书法线条美入画是永恒的追求，书法中的点、线和笔画间组合构成表达意象的基本元素，书法用线的笔法表现运动中，那种灵动、韵致、风骨，显示出的是生命的节奏感和韵律感，强化了文人画的意趣，减弱了绘画对形的依赖，加强了笔墨之外的意境，突出了绘画的文化品味。书法的形式美使画的表现性、抒情性、写意性更加强烈。同时，文人画重墨趣，运用墨干湿浓淡浑厚苍润的微妙变化，以单纯的墨彩概括绚丽的自然。形成了民族特有的美学思想，即摒弃华艳，返朴归真、大巧若拙等，这些都成为文人画家在艺术上的自觉追求。

文人画又是以主观意向为创作源泉，其用笔时多写意为主，用笔自然流畅，意到便成。它是世间万物已记熟于胸，任意画之却无不形似，与自然默契相合、天人合一的心灵表现。其神情超于物体之外，而寓精神于物象之中。

中国文人画集诗、书、画、篆刻为一体，独树一帜的艺术特点和丰富的文化内涵，必将永久的会带给我们艺术上的熏陶与享受……

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要想看懂中国传统文人画艺术，首先要清楚两个概念：

第一，什么是文人？

第二，什么是文人画？

什么是文人呢？

上古时期，文人是指有文德的人，重在德行。

汉魏以后，专指擅长文章词赋的读书人。

到了今天，则泛指所有有关文学创作和研究的“文化人”，包括文学家、作家、史学家等。

什么是文人画呢？

虽然文人的概念很早就有了，但因为“文人相轻，自古释然”，一直到晚明之前，也只有画家画、画工画、士人画，而绝无文人画。如宋人苏东坡，他本人从不认为自己是文人，而是士人。晚明以后的后人常把他称为文人，把他的画称为文人画，殊不知，这只不过是打着文人的旗号，可以将自己与前贤拉近到同一类别的可笑行为。

晚明开始，随着当时社会经济、政治等环境的发展和影响，文人开始解放天性，回归自我，不再以“文以载道”的标准要求自己，绘画的功能也不再只是拘泥“助教化，成人伦”的基本功能，而是崇尚自我精神价值的体现，用画来表达自己的精神感情。至此，文人的社会地位得到空前的提升，文人画开始真正盛行。这个时候，产生了很多著名的文人画家，如徐渭、董其昌、唐寅等。

到了当下时代，文人画的概念更加广泛，几乎所有画家都喜欢自称文人的，这里就不多少了，只要切记，文人概念是建立在文化知识和文化素质基础之上的，没有这两个条件，文人和文人画的概念都是不成立的。

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我认为——

文人画一方面是很美好的艺术，是几种传统艺术的综合体，其艺术性，当然是毋庸置疑的。

但另一方面，文人画的出现乃至盛行，甚至一统中国画的江湖，其实，是断送了宋朝已达高峰的中国画。

或者说，是中国画的发展走了弯路。

了解一下中国美术史，中国画发展到了宋朝时，无论山水，人物，花鸟画等，均已发展成熟，且表现技巧丰富，出现了风格各异的诸多名家，也出现了各种各样的、异常精美的画面效果，中国画可谓鼎盛之极了。

那时的中国画，就是画，画家所有的精力都用在画画上，天才画家再专心研究一生只研究画画，不用受诗书印等束缚，画当然好，好到什么程度？

好到后人只能望其项背！

如果沿着这条路发展，中国画的技巧，观察客观物象的方法，使用的工具与材料，都必定会越来越丰富，越来越先进，越来越深入，越来越专业，越来越系统化，画面效果也会越来越丰富，越来越多元，越来越美妙，影响力必定更强大，可能也就没有欧洲文艺复兴的三杰什么事了，即使出现了那三杰，其影响力也不会这么厉害了。

因为，与之同期的中国画相比，他们的就不见得有多优越了，如果再借助传教士把中国画带回欧洲，估计当时欧洲的人都要来中国留学学画画了。

可惜，上述都是假设，历史没有如果。

但是，宋即出现了文人画，虽不成气候，但对接下来的元代影响已大！

因为，元，民族分裂，汉人之惨，几乎灭族，而，人才，永远是汉族最多。人才干什么了？蒙元不用，想用的都隐居去了，出家当道士，做和尚去了，而有出仕当官的被汉人看不起的。

而，这些人才有思想要表达，个性想展示，唯有通过书画舒解心中郁闷，显示自己的清高，展现自己的品质高洁，是故文人画大盛。

当然，经元明两代画家努力，文人画也算发展得相当厉害了，甚至影响到中国人的审美思维了。

但纯粹绘画的中国画则日渐式微，甚至发展到后来不题字，没有诗与印章的画被看不起。

文人画把诗书画印统一到一幅画中，画已沦为一个元素，而且，好象还不是主要元素。

在这种思维指导下，画要“写”出来的才是高妙的作品，才是最高超的技巧！

好在，近现代不少画家发现了这些问题，他们纷纷提出要改革中国画，不少画家付诸行动，纯粹绘画类的中国画又渐渐的出现，到了当代，已在中国画坛又占一席之地了。

是为幸哉！

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