如何欣赏中国画 如何欣赏中国画？水墨丹青的美学之道

网友提问：

如何欣赏中国画？

优质回答：

对于如何欣赏中国画，要先来看看如何创作中国画。自古以来，提到中国画家的创作，时常说“外师造化，中得心源”。用今天的话来讲，就是画家对所见所闻有着敏锐的感受和丰富的想象力，当画家在面对一张画纸时，他们自己的选择和判断，他们的所为和所不为，其结果就是我们看到的魔法。把我们的注意力放在画纸上，就是让我们自己有机会去发现，发现它为身边这可见的世界增加了什么。

一件绘画作品，无论它的主题是什么，都具体表现出了一系列感受和记忆，而且二者最终融为一体。作品的影响立竿见影，同时又很复杂。不过，即使是最不了解作品的观赏者，也会进入一幅绘画作品的氛围之中：首先映入我们眼帘的，是画作与自然之间的相似程度；令我们感到惊讶的，可能是它将世界理想化或是转换的方式。

一幅优秀的作品是具有生命的，能表达作画者的感情、思想，进而使欣赏者受到感染。而观赏者面对一幅画，总会问“它到底在表现什么”，中国画家常说“意在笔先”。画家不但要把握住描绘对象的外形，更要捉住对象的精神，进而传达给欣赏者。画家见景生情，把难以言传的心思借着图像表达出来。

以《清明上河图》为例，我们可以从几个方面来进行欣赏并剖析：一、观察简单的现实；二、思忖声望的力量；三、分析可见的生活面貌；四、考虑表象的迷惑；五、沉入绘画的和谐。

《清明上河图》作为一幅重现宋代现实生活的风俗画，其中总会有些令人满足的东西。看着其中的图像，我们可以说出看到了什么，同时会感到惬意，因为《清明上河图》验证了我们对于宋代现实生活的某些定论。更重要的是，其似乎赋予这些定论某种永恒感，从而认可了它们，令我们沉浸于画面中。

《清明上河图》很著名，历史为它积累的声名，会让观者的心态更为复杂。我们既被它远扬的声望吸引，同时，这名声又会遮蔽我们的视线，最后却无法确定我们是在回应画作本身，还是它的声望。在看到的和想要看到的东西之间，我们是否可以分辨彼此。然，《清明上河图》所产生的稳定感，让我们从作品的长久生命中汲取力量。能够产生这种绝对感的作品，必定会深深印在我们脑海中。

《清明上河图》生动记录了中国12世纪北宋都城汴京的城市面貌和当时社会各阶层人民的生活状况，是北宋时期都城汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照。画中大到广阔的原野、浩瀚的河流、高耸的城郭，细到舟车上的钉铆、摊贩上的小商品、市招上的文字，和谐的组织成统一整体。

在一幅作品面前感到困惑、茫然，这是正常的。当我们驻足于《清明上河图》前，指望我们完全了解北宋社会全貌，这是不现实的。但只要我们查考资料，画中场景的含义也就清楚了，也包括其中的某个背景或是服饰。或许有某个特别微妙的象征符号仍然困惑，但也不会影响画作总体上的表现特征。

画家通过过滤现实，去掉无关紧要的细节，帮助观赏者卸掉它的重负。他甚至不用耍什么把戏，就可以讲述时间，提出问题；就可以线条四下展开，人物、场景彼此咬合、缠绕，结构得到平衡，墨色融入画布之中。《清明上河图》慢慢把我们包裹在它平和的繁华当中。看着画卷，我们感到纠结的想法变得没那么棘手。它讲述的故事或是引发的沉默，这些都在说明这种感觉。

其他网友回答

刘老师回答如何欣赏中国画@刘老师日记

其他网友回答

古代著名画家、理论家谢赫在其著作《古画品录》中，依据人物画的创作实践，归纳整理的绘画社会功能以及品评绘画的六条标准，被称之曰"六法"， 分别为:气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置(或经营置位)、传移模写(一作传模移写)。

其他网友回答

对中国画的欣赏是个人文化积淀的总和的投射。

简单说，欣赏者有多少文化修养就只能欣赏到某一个层次级别。因此总能听到：“我看不懂，欣赏不了”等等。这是因为绘画作品的文化意味已经超出了欣赏者（或者极大的偏离了中国文化，如：丑画）。外国人的中国文化积淀基本为零，他们总认为中国画没画完，有很多空白。对于留白这种：“无就是有”的道家思想他们一时理解不了。

相反，如果作品的文化意味低于欣赏者，那就会带来欣赏者的轻视。所以说：有多少观众就有多少种审美反应。

但通用的欣赏方法还是存在的。咱们从最容易入手的技法层面进行切入：

一、看线条

线条是国画的最基本元素，称为：骨。这一点是区别于西洋画的重要标志。

1.看作者的线条是不是造出了物象的形。如画虎是不是让人会误解为画猫？

2.力度。无论粗细是否具有力能扛鼎之力？即使是画柔美女性，线条是不是能柔中带刚，体现出风骨，而不是看似面团。

3.气韵。有无意在笔先，笔断意连，笔尽意在。达不到这个标准的线条会有依葫芦画瓢的感觉，笔与笔之间缺乏内在的逻辑联系，不知所云。看似画猫，但很像一团稻草，引起欣赏者的审美困惑。

4.变化。粗细、力度、浓淡、、干湿、弧度、起笔、收笔这些要点之间是否具有变化。如果变化精妙，那真是美不胜收，值得反复玩味的好作品。要是做得不好，往往如：死蛇挂树，或者气若游丝一样的感觉，真是很难受。

二、看用墨

1.看浓、淡、干、湿、黑、白 这些在画面中有无体现。重点是这些元素有没有重叠交叉使用，如：浓墨但是水分很多；淡墨但是很干燥的涂抹在纸上；有没有很好的用墨色营造出白色的物象，如岩石、雪、雾、瀑布。。。画得不好的往往会含含糊糊、模棱两可。墨法方面的好文章很多，不再重复。

三、看意境

中国画历来由士大夫文人为主要创作人群，因此打上了文人画的深刻烙印。这部分主流的创作者的审美趣味往往具有以下特征，假如你在观看作品时强烈的感受到这些情绪表达，那就基本上是一件好的作品。

虚幻之境：古代士大夫在现实的官场经常不得志，只能逃避现实，希望画出一个虚幻的世界供自己的心灵休憩。

下图是北宋 许道宁 渔父图。这种地貌地球上估计不存在吧，完全是虚幻的外星球地貌。

画外之境：画面上画的啥就是那啥，太实诚，没趣味。必须画点啥让欣赏者脑补出画面之外还有点啥，提供无限的想象空间那才是高手。

下图是明代沈周的猫，是不是让人脑补出画外可能是一只蝴蝶或者小鸟飞过？画外情趣立刻盎然，拍案叫绝。

拙美之境：画之大忌是巧。抖机灵、显摆技法都是愚蠢和不美的办法，很多行画都是技巧堆砌，公式化的，如：牡丹画法。无法之法乃是上法。因此故意画的笨拙，才有趣味。

下图是八大山人画鸟，十分笨拙的憨态可掬，但笔墨是一流的，每一笔都能数出来，墨与水的融合精妙之极，鸟嘴的线条凸显锋利的感觉并且线条中依然有墨色变化，背部2笔含水量极大，但依然完美控制：极浓到极淡的激烈变化，留下一部分极淡的墨迹，导致水润华滋，突显小鸟的鲜活之感。超级大师不是白给的。

寂寞之境：李白总结说古来圣贤多寂寞。士大夫文人都认为自己是圣贤，寂寞是必须的标配，你不寂寞说明你不够圣贤，不管是不是装圣贤那都必须画的寂寞。

下图是中国画史上画的最寂寞的人：倪瓒。画里头从不画人，山和水都是静止的，树叶也必须纹丝不动，如果树叶可能会带来动感，那就干脆不画树叶，人物飞鸟一概不得入内。寂寞到极点了。

萧散之境：士大夫们觉得在朝廷做官非常不自由，极其向往潇洒而又散漫的感觉。画里头又开始画自由散漫的东西了。什么钓个鱼啊，划个船啊，酗酒弹琴之类的作一把了。

下图是元代吴镇的泛舟图，可能是想翘班溜出去玩划船。

下图唐伯虎画醉八仙 喝酒论缸计算

荒寒之境：翘班、划船、酗酒作了一把之后自然被贬罢官，心里拔凉拔凉的，那就画荒寒之境表达内心的凉凉。

下图南宋 夏圭 临流抚琴图

淡雅之境：浓妆艳抹显得俗气，淡雅显得雅致有内涵，因为这一条国画审美规则，齐白石有些画被认为媚俗，不够高级。

元代王冕墨梅图 以墨代色 高雅脱俗 千古名作

简约之境：中国画受道家思想影响极大，倡导：多即是少，少即是多。画的越繁复越没有思想内涵。因此简约是一个审美标准。

八大山人画鱼 简约他是最极致的

四、中国画欣赏是有全部的中华文化作为支撑和背书的，其极复杂，国画美学著作汗牛充栋，篇幅有限，仅从最容易入手的笔墨意境入手做简洁的回答，有兴趣的可以继续研究。

其他网友回答

谢邀

中国画的欣赏可以分成两大部分来进行：

其一是画面的，也就是画内部分。这是可见的，或者是易见的，主要以笔墨为主要内容。

其二是气息的，也就是画外的部分。这部分需要感悟，是“不可见”的，或者说是“不易见”的。所以需要具备对中国画探求的真知灼见。

中国画以意写神，以意为上，以神为上。形象作为笔墨的寄托，仅仅作为一个载体，欣赏中国画也不是单纯以所写所画的形象为主要目标。中国画在画面部分的欣赏主要是笔墨功夫的表达。笔力，水墨，敷色等等的力度，韵味，趣味，并且画面形象通过笔墨的处理传递出它的意境。

画面以外的内容信息，包括了作者的审美情趣的取向，笔墨功夫的修炼，格调品性的修为。这方面的因素往往比显性的画面内容更深更广，于作者的谋求难度比较技巧的历练要复杂的多，也困难的多。于欣赏的角度来说，也是非常不简单的事情。

也因为这样，中国画要画好，作品能够打动人就很难。它不像西画般重点在画内的追求就可以。画内画外的同时修炼，并且将两个方面的修为有机的，自然的融和在一起并且写画出来。而要能够欣赏到中国画的妙处也是需要做很多的功课——在那无形之处去修炼自己的火眼金睛。

(附图泊庐笔迹)